“和服”代表什么
和服，日本公认的民族服饰，就像我国少数民族服饰，是一种具有一定的代表性的民族服饰。
图片来自互联网
而且受动漫或电视剧和电影的影响，基本在中国大多男性眼里都只能被规划为情趣，角色扮演一类的服饰。
日本和服 图片来自互联网
服饰的意义
一般的衣服，只是取到冬暖夏凉的意义，但一件传承下来的衣服那就不同了。
如果我说龙袍，你会联想到什么？当然是皇帝，皇宫，等等，脑海里自然会浮现你所熟悉的独权者。
又说韩服，你也会自然而然地联想到电影电视剧古韩人。
再说汉服你一定也会浮现泱泱华夏的兴衰！
当然一件衣服，不能代表什么，但一件传承下来的民族服饰那就不一样了，等同国旗，历史！
国旗代表的是政府。
服饰代表的是民众。
五星红旗是中国
汉服也是中国
日落旗是日本
和服也是日本
没有什么除了国旗还有比服饰更能代表一个国家民族的。
服饰等同国旗
把他国国旗穿在身上不管在哪里哪国，都会被国人唾弃，更何况还是日本。
和服来历
日本江户时代的《装束要领抄》指出：“和服沿唐衣服而其制大同小异益。本邦通中华也始于汉，盛于唐世时。朝廷命贤臣因循于徃古之衣冠而折衷于汉唐之制，其好者沿焉不好者草焉而为。本邦之文物千岁不易之定式也。”
汉服唐装 图片来自互联网
唐代前，日本和服色彩较为单一，多为原始色彩、民族色彩，同一服饰几乎同一色调;在唐朝文化的影响下，和服色彩尤其是大和型贵族服饰色彩进入鼎盛期，此时贵族以色彩划分等级,如等级自上而下服饰颜色为深紫、浅紫、绯、绀、绿、黑；女性服饰颜色装饰打破原来单一色调,而以绿、蓝、红为主调的同时,添加其他色调或纹样,色泽艳丽,色调对比明显，给人以耳目一新之感。
汉服唐装
日本和服
对比两者十分相似，唯有和服多了个‘腰包’，被国人戏称为枕头。
穿搭场所及文化
日本节日
在日本，出席冠礼（成人式）、婚礼、葬礼、祭礼、剑道、弓道、棋道、茶道、花道、卒业式、宴会、雅乐、文艺演出以及庆祝传统节日的时候，日本人都会穿上端庄的和服去参加。
和服的穿着文化及礼法又被称为装道。
‘和服’ 和 ‘慰安妇’？
女性身穿和服
身穿日本和服的慰安妇，但她们多数并非日本人
在中国有多位证人证实
高凡夫、赵德芹在论文《日本军人的性心理与“慰安妇”制度》中，经过研究，得出结论：
“有的慰安所还要求朝鲜‘慰安妇’穿上日本民族的和服接待日本军人，目的就是让军人能够感受到在家的感觉，以稳定其紧张情绪，消除其恐惧心理。”
当年被日军抓走强征为“慰安妇”的中国女性有多少？
中国是日军驻扎时间最长，军队遍布最广，慰安所、慰安妇最多的地区，其中中国“慰安妇”占了相当比例。她们中的大多数，都是日军强征而来的。
甚至有十二、三岁的和五、六十岁的老人。
 日军在杭州一地，即掳掠中国女性达2万人之多！
有一位战后协助美军处理军需情报的日本人说，中国慰安妇的数字，占日军在亚洲战场征用占领区慰安妇的67.8％。有学者据此估计，至少有20万人。
个人的看法
和服，本就是日本文化的一种表达，加之近几年来日本政府对中国本就有敌对趋势，更有历史旧仇！
甚至频繁挑衅国人底线
否认慰安妇事件，否认南京事件，参拜靖国神厕，涉台涉港等等，再三再四的挑衅。
喜欢可以，但要看时间
爱好可以，但要看历史
不知本无罪，无知易伤人
曾经黑暗时期的中国女性，奋力抵抗的和服，现在却在光明下被新中国的女性主动穿上。
曾经的先辈英雄都是为了让你在泱泱华夏做你想做的事而流血牺牲！
曾经的先辈都是为了华夏文明能永存于世而奋勇杀敌！
上下五千年的华夏，却找不到一件某些人想要的衣服吗？真是如此吗？
唐宋元明清等等，在加五十六个民族的服饰，都不能入某些人的法眼？
呵。
日本的那些陶瓷和工艺品
日本人把对细节的执着和对艺术性的追求融入到了各地的陶瓷和工艺品之中，陶瓷一般以出产地命名，各地的陶瓷和工艺品各有千秋，值得一提的是，日本的传统工艺保留得很好，我们能从这些百年甚至千年的传承中，感受到匠人们对精雕细琢的不懈追求的和满满的诚意。
宫城县的鸣子こけし（鸣子木芥子娃娃）
东北地区的宫城县不仅是鲁迅先生在日本读书的地方，还有日本三景之一的松岛，以及可爱的鸣子木芥子娃娃。秋天是来宫城鸣子温泉的好时候，因为这里的鸣子峡会被热烈的红叶染红，造就无与伦比的美景，看红叶，泡1000多年历史的鸣子温泉，还可以买个传统的鸣子木芥子娃娃做纪念。鸣子的木芥子以菊花图案为特色，而且转动娃娃的脖子时还会发出嘎吱的声响。很多商店都可以让彩绘专属于自己的木芥子，因为是手工制作而成，每一个娃娃都是独一无二的。
（鸣子峡，图片来自网络，侵删）
（鸣子木芥子娃娃，图片来自网络，侵删）
秋田县的桦细工（樱树树皮艺术）工艺
东北的秋天县有美人，有日本最深的湖--田泽湖，还有因为垂樱而闻名的角馆。漫步角馆不能错五月的樱花，和宏伟的武士宅邸，正宗的江户时代建筑，以及以樱树树皮制成的精美桦细工艺品。这一传统始于 17 世纪，当时一位名叫藤村彦六的武士最先开始使用它。这种工艺极其出色，可以制作小饰品、珠宝盒和家具。
（桦细工工艺，图片来自网络，侵删）
茨城县的笠间烧
茨城县这个常年排名日本倒数第一的县却有着日本三大瀑布的袋田瀑，日本三大园林之一的偕乐园，日本第二大的湖--霞浦，一年四季鲜花盛开的国营日立海滨公园，还有笠间烧，笠间烧18世纪以来一直是日本厨房的标配。
（笠间烧，图片来自网络，侵删）
枥木县的益子烧
枥木县有闻名遐迩供奉着最著名的武士领袖--德川家康的日光东照宫，世界上最大的紫藤花架，还有因其粗矿淳朴的外形而与众不同的益子烧。益子烧与日本简约美学相吻合，在 19 世纪开始流行，不仅外型独具特色，也非常实用。当时的瓷器大多作为厨具使用。如今，益子烧极具魅力，吸引全球买家竞相购买。
新泻县的小千谷麻纺织品
这个盛产大米和清酒的县，还是一个名副其实的雪国，川端康成的小说《雪国》便是诞生于此。就地取材，这里也有了用雪晒出来的夏布--小千谷麻纺织品，雪有天然漂白作用，会让白的部分更白，而染色部分就更加凸显，呈现出自然又鲜艳的色泽。另外麻纺织品成品带有独特的折痕，这种吸湿排汗的国宝级的舒适的面料制成的传统夏季和服是日本人的最爱。
（小千谷麻纺织品，图片来自网络，侵删）
石川县的九谷烧
不知道是不是受石川县金泽古代领主的影响，这里的九谷烧是日本少见的彩绘陶瓷。九谷烧有300多年的历史，用色大胆，鲜艳亮丽丰富，专家手绘的设计涵盖田园风景到花卉，是日本彩陶的代表，远销海内外。除了九谷烧，还有用金箔绘画的金泽漆器，这些华丽的艺术品以及每年6月的金泽百万石祭，三大名园之--的兼六园，无不在彰显着这个曾经仅次于江户，大阪和东京的第四大城市的辉煌和骄傲。
（九谷烧，图片来自网络，侵删）
（九谷烧，图片来自网络，侵删）
（九谷烧，图片来自网络，侵删）
山梨县的甲州印传
现在的山梨县不仅保留着日本第一兵法家--武田信玄的菩提寺--惠林寺，武田信玄的个人温泉--下部温泉，还留下了山梨县特有的传统工艺品--甲州印传。据说武田信玄很喜欢鹿皮制品，除了自己的铠甲之外，还大量投入生产为当地的武士用鹿皮做装备。鹿皮制作而成的甲州印传轻便而结实，深入人们的生活当中。甲州印传与时俱进，不仅在山梨县有被制作成各种背包钱夹等，甚至还和一些奢华品牌合作推出一系列产品。
（甲州印传，图片来自网络，侵删）
（甲州印传，图片来自网络，侵删）
岐阜县的美浓烧
有1300多年历史的美浓烧的生产超过了60%的日本陶瓷，大量应用于日常餐具的设计，如诗如画的颜值，温润的质地，无毒釉彩，让美浓烧走入了寻常百姓家，成为名副其实的“国民餐具”。
（美浓烧，图片来自网络，侵删）
（美浓烧，图片来自网络，侵删）
爱知县的常滑烧
爱知县的常滑市远远没有名古屋市的名气大，不过这里是招财猫的故乡，也拥有日本六大古窑之一的常滑烧。常滑烧的茶壶因为使用的是含有丰富铁的泥土，能中和茶中的丹宁成分，吸收不必要的涩味，使泡出来的茶保持了原有的色，香。这种利用粘土中的铁分烧制出来的朱泥，作为常滑烧的代表作而闻名天下。
除了常滑烧，爱知县的濑户市还有日本六大古窑之首的濑户烧。六大古窑中只有濑户烧掌握了上釉技术，加上制陶师傅的精湛工艺，让濑户烧成为日本高级陶器的代表。在日本，濑户物就是陶瓷，可见濑户烧在日本人民心中的地位。
（常滑烧，图片来自网络，侵删）
（常滑市，图片来自网络，侵删）
滋贺县的信乐烧
提起滋贺县，首先想到的就是日本最大的湖—琵琶湖，而晨间剧《绯红》的大热也让这里原本就声名远播的信乐烧更加被人们所熟知。信乐烧是与忍者有渊源的甲贺市信乐町为中心所制的陶瓷，其中呆萌可爱寓意多的吉祥物--狸猫装饰品是信越烧的代表性瓷器。
（信乐烧，图片来自网络，侵删）
兵库县的出石烧
兵库县有保存最好的“城堡”--姬路城，姬路城因白色的外墙，造型如展翅欲飞的白鹭而被称为“白鹭城”。除了这个白色城堡，兵库县被称为“但马的小京都”的出石町有“人类终极洁白的瓷器”—出石烧，这种白瓷相当细腻光滑精致，被誉为陶瓷中的陶瓷。
（出石烧，图片来自网络，侵删）
（出石烧，图片来自网络，侵删）
冈山县的备前烧
很多地方都是因为陶瓷而闻名，备前市也不例外。备前市位于晴天王国，桃太郎的故乡--冈山县，备前烧作为无釉的陶器透气性很高，灌入水瓶或是花瓶的水被认为不易发腐。由此、现代经常被用于啤酒杯或是葡萄酒杯以及其他食物器皿。另外备前市还有日本第一所公立学校—旧闲谷学校。
（备前烧，图片来自网络，侵删）
香川县的丸龟团扇
团扇相传是从中国传入日本，当时是朝廷官员和僧侣作为权贵的象征。江户时代团扇成为祈求海上安全，相当于中国“妈祖庙”的金刀比罗宫的伴手礼，之后丸龟的藩主迫于财政压力，鼓励基层藩士以此为副业，将团扇当作丸龟特产来贩卖，团扇作为丸龟的产业逐渐发展壮大。
（丸龟团扇，图片来自网络，侵删）
（丸龟团扇，图片来自网络，侵删）
佐贺县的有田烧/伊万里烧/唐津烧
佐贺县“陶瓷之乡”的称号名不虚传。有田烧，伊万里烧，唐津烧各放异彩。
有田烧被视为日本陶瓷的发源地，原为日本贵族专享。而以陶瓷著称的有田和伊万里是两个古典而宁静的陶瓷小镇，当地陶窑，陶器工坊和商店比比皆是，陶瓷作品更是随处可见，在这里可以亲眼见识日本的传统陶瓷工艺，还可以到日本最大的陶瓷市场购买物超所值的陶瓷。
而出产唐津烧的唐津城则要热闹得多，每年11月这里会举办盛大的唐津宫日祭。
在日本茶陶界有句名言“一乐，二秋，三唐津”，唐津烧在茶陶的地位可见一斑。
（图片来自网络，侵删）
（图片来自网络，侵删）
冲绳的红型
“红型”是用传统的红型染制作的和服在当时只能用于王室或是权贵人士的服饰上。现在不仅仅用于各种工艺品，甚至可以亲自参与制作属于自己的专属“红型”。红型不仅仅是冲绳琉球的红，更是冲绳的蓝天和海浪，冲绳的五彩鲜花，冲绳的缤纷和热情……
（红型，图片来自网络，侵删）
评展｜和服何以成为不可思议的文化引爆点
文／Will Heinrich，编译／ 陆林汉
江户时代是日本纺织、染色和刺绣工艺的顶峰时期。和服最初属于昂贵的奢侈品，大多为私人定制，主要消费者是武家统治阶层的幕府成员。随着城市文化兴起，商人阶层获取足够的财富，和服逐渐成为平民展现自身审美的日常物品。
近期，“和服风尚：John C. Weber 收藏展”在美国纽约大都会艺术博物馆开幕，呈现超过60件选自纽约时装技术学院和约翰·C·韦伯（John C. Weber）收藏的日本和服，结合西方服饰、绘画、版画和装饰艺术品，展示江户时代晚期至20世纪初的和服发展历程，以及东西方在服饰上的相互影响。
19世纪末，西方时装设计师一度热衷研究日本浮世绘中所描绘的和服。宽松的设计、特殊的廓形及直线型的剪裁，对西方服饰产生深远的影响，为知名时装设计师玛德琳·维奥内特（Madeleine Vionnet）、克里斯托巴尔·巴伦西亚加（Cristóbal Balenciaga）等人提供灵感。
另一变，受明治维新影响，日本迎来现代化及社会的变迁，越来越多的女性有能力购买和服，并接触到西洋服饰。20世纪20年代，平价成衣“铭仙”（Meisen）和服开始在百货商店里销售，风靡一时。这也反映了当时日益西方化的生活方式。
胜川春章，《四代目岩井半四郎》，约1778年，木版画
贺茂神社竞马图屏风，江户时期，17世纪末-18世纪初
近期，大都会艺术博物馆的“和服风尚：约翰·C·韦伯（John C. Weber）收藏展”证实的是：和服是20世纪最杰出的艺术媒介之一。
这一展览追溯了日本最著名的传统服饰，一种总是从一块布上裁剪而成的服装——“和服”。这一服饰从江户时代(1615-1868)的古板丝绸正装，逐渐发展成为了20世纪20年代及之后的多样图形的展示媒介。
此后，和服也成为了一个不可思议的文化引爆点。2015年，有抗议者指责美国波士顿艺术博物馆(Boston 's Museum of Fine Arts)在一个系列中用和服作为东方主义的道具。该系列意在描述印象派画家以同样的方式使用这种服饰。金·卡戴珊(Kim Kardashian)在2019年因试图将这一服饰的词汇用作其塑身内衣系列的品牌名称而引起了轩然大波。除了征用名词的问题外，这也是一个具有讽刺意味的选择，因为正是和服的直筒形轮廓激发了西方时尚女性在一开始就放弃了束身衣。
波浪与兔子图案袄裃，江户时期，19世纪中叶
黒缎子地牡丹露扇子图案衣带，明治时期，19世纪中叶
事实上，从1868年的明治维新开始，日本与西方就一直忙于相互模仿、相互吸引。这种交流，正如此次展览中大量的文献说明的那样，改变了两个半球的时尚。正如策展人莫妮卡·宾西克(Monika Bincsik)和凯伦·范·戈森霍文(Karen Van Godtsenhoven)强调的，和服不仅仅是一种象征、一种文化遗产，或者某种不变的民族服饰，而是一种多样的、美丽的服装，有着复杂的历史，男性与女性都可以穿。和服在今天与在100多年前一样，有着很多意义。
青竹色地轮宝瑞云图案唐织，江户时期，18世纪中叶
在18世纪，当和服开始呈现出现代形式时，它是厚重的。“厚重”这一词，指的既是字面意义，也是一种比喻。和服独特的图案有助于识别戴着特定面具的舞台演员，而穿和服也是富人炫耀精致锦缎的方式。在古典歌舞剧的一件和服上排列着六辐红、白、黄三色的“佛轮”，重复的花朵图案上交替出现尖尖的云朵，这些花朵被镶嵌成相互交错的金色圆环。另一个看上去不那么繁琐的案例中，白色菊花的精致图案漂浮在由白色、橙色、紫色和绿色组成的方格上。
“和服风尚”展包括了一些私人收藏，过往藏家赠送的物件，馆藏日本和服收藏的文物，以及17世纪的图案书、日本北部原住民阿伊努人（Ainu）用回收布料制成的引人注目的夹克。此外，展览还有几件可以两面穿的消防队员服装，其中一面是严肃的徽章，另一面描绘的则是狂欢的神话场景。而这一展览也和大都会博物馆日本馆的常设服饰展陈形成对比，就好比是一件18世纪的佛教法衣两侧摆放了一对古老的木质佛像。
这是一件18世纪的日本能剧服装，菊花图案铺在了棋盘状的衣服上
20世纪30年代的孩子的冬季和服，上面印有米老鼠图案
但不得不说的是，这一展览真正关注的是19世纪晚期的和服。在这一时期，日本向西方开放，同时进行了飞速的现代化发展。正如策展人凯伦·范·戈森霍文在她的文章中写到的那样，日本的纺织品出现在了1867年的巴黎世界博览会和1873年的维也纳世界博览会上。到了1906年，法国设计师保罗·波烈(Paul Poiret)展示了“他的第一个不穿束身衣的系列，是以宽松的和服为灵感的”。
法国设计师保罗·波烈(Paul Poiret) 于1919年设计的歌剧外套，灵感来自于日本和服
而对于当时的日本而言，大规模的生产力使和服的生产变得不那么复杂，成本也低了很多，而服饰上的图案则更具实验性了。苯胺染料使得设计师能够更大胆地运用颜色，而欧洲新艺术和装饰艺术运动在图形创作上也引入了新的风格。昭和时期(1926-1989)的和服是生动活泼的，设计师可以在上面印任何东西，如精致的露珠和草叶，巨大的箭矢，偏离中心的富士山，甚至是一只爬在肩膀部位的巨大蜘蛛。
水玉图案铭仙和服，昭和时期，约1930年代
圆点、直立的衣领、巨大的臂孔，一系列壮观的服装展示了和服的特点。从东方到西方的一个多世纪以来，和服逐渐发展出了西方的风格，比如出现在20世纪30年代儿童和服上的米老鼠图案等。在东西文化交汇下，热门的和服设计包括了波烈在1919年推出的一件漂亮的歌剧外套，该作品由一条未剪裁的紫色丝绒制成，还有Comme des Garçons创始人川久保玲(Rei Kawakubo)在2018年推出的印有超大漫画人物的和服。从这些并置呈现的服饰中可以看出，获利的不光是西方服饰。展厅中一件印有闪电图案的纯红色和服，与之相比，即使是与艾尔莎·夏帕瑞丽(Elsa Schiaparelli) 在1939年设计的小丑外套也没有如此夸张。
川久保玲设计的和服
三宅一生设计的和服“海贝壳（Seashell）”，1985年
此外，真正吸引人的还有20世纪二三十年代的一件夏季款。服饰上，巨大的白色漩涡像瀑布一样掠过深绿色的表面，与白色后面的浅绿色漩涡巧妙地形成呼应。当然，在展厅昏暗的灯光下，很难发现这一颜色是绿色。这一主题，正如墙上的展标所说，可以追溯到史前的日本陶瓷纹样。但在这里，和服呈现出的是一种装饰，而这件物品即使是在一个世纪后的今天再回看，也依旧保持了时尚的新鲜度。
这是一件夏季和服，制作时期为昭和时代早期
服饰的功能和绘画性展示，在这件展品上得以充分体现。服饰上无限重复的图案和其背部、袖口间形成了清晰的张力。再加上这件作品挂在架子上展现出的完美平面和它原本要包裹的身体曲线之间的隐含对比，让你能了解到博物馆及现代艺术中蕴含的复杂概念和丰富的视觉效果。
“和服风尚：John C. Weber 收藏展”将展至2023年2月20日。
（本文编译自《纽约时报》，作者威尔·海因里希 (Will Heinrich)为评论家，曾为《纽约客》和《纽约观察家报》撰文。）
责任编辑：顾维华
校对：张艳
